Hamburg war lange eine Stadt großer Modehäuser und kommerziell erfolgreicher Designer:innen. Gleichzeitig fehlt es an Orten für experimentelle Mode. Du bringst dein Archiv jetzt ins FABRIC. Was braucht eine Stadt, damit Mode hier nicht nur verkauft, sondern auch als Kunst und Kultur ernst genommen wird?

Ich glaube, wir Kreativschaffenden sind da eigentlich ziemlich unkompliziert. Wir werden von neuen Möglichkeiten und Herausforderungen angezogen wie Motten vom Licht. Man muss uns nicht besonders lange bitten, etwas Verrücktes auf die Beine zu stellen. Ein bisschen Mut reicht oft schon, um Kunst und Kultur in eine Stadt zu bringen. Und genau diesen Mut beweist das FABRIC gerade. Hier entstehen neue Formate und Strukturen, in denen wir uns als Designerinnen und Künstlerinnen ausprobieren und entfalten dürfen. Hamburg hat dabei einen großen Vorteil: Es ist eine Handelsstadt. Und ich habe tatsächlich das Gefühl, dass man hier verstanden hat, dass eine Künstlerin von ihrer Arbeit auch leben möchte. Das klingt vielleicht banal, ist aber in meiner Branche leider alles andere als selbstverständlich. Ich glaube, genau darin liegt eine große Chance für Hamburg: Kunst und Kommerz nicht als Gegensätze zu verstehen, sondern Strukturen zu schaffen, in denen beide existieren können, ohne dass die künstlerische Freiheit dabei verloren geht. Dazu gehören natürlich auch faire Honorare, bezahlbare Arbeitsräume und die Bereitschaft, Ideen zu unterstützen, bevor sie ihren kommerziellen Wert bewiesen haben. Mit NOTES FROM THE ARCHIVE möchte ich im FABRIC ein Stück meiner eigenen kreativen Welt zugänglich machen. Eine kuratierte Auswahl vergangener Kollektionen, Objekte aus Shows und Elemente meiner Inszenierungen. Ein bisschen wie mein Atelier, nur deutlich aufgeräumter. Mich interessiert, was passiert, wenn Besucherinnen und Besucher diesen Arbeiten begegnen, ohne dass sofort die Frage im Raum steht, was man davon kaufen kann. Wenn sie sich erst einmal auf die Geschichten, Materialien und Emotionen einlassen dürfen. Vielleicht entsteht daraus ein ganz anderer Zugang zu Mode. Jil Sander hat ja schon vorgemacht, dass von Hamburg aus eine ganz eigene Modesprache entstehen kann, die die internationale Modewelt prägt. Ich fände es wunderbar, wenn Hamburg auch heute ein Ort wäre, an dem solche eigenständigen Positionen wachsen können. Gerade dann, wenn sie vielleicht erst einmal nicht besonders kommerziell erscheinen. Denn am Ende kann man nur eine Beziehung zu etwas entwickeln, dem man überhaupt begegnet. Deshalb wünsche ich mir vor allem mehr Orte wie das FABRIC. Orte, die neugierig machen, die Berührungsängste abbauen und an denen man nicht erst wissen muss, ob man Mode versteht, um sich von ihr berühren zu lassen.

Ihr macht aus Dingen, die andere längst abgeschrieben haben, etwas Begehrenswertes. Geht es euch um das Material selbst oder die Vorstellung davon, was es einmal gewesen ist?

Cristian: Für mich persönlich ist es zu hundert Prozent das Material selbst. Es inspiriert mich, etwas Neues daraus zu machen. Ich schaue mir die Spuren an, die durch die Nutzung entstanden sind: wie etwas repariert wurde, die Oberfläche, die Farbe, wie es vielleicht nicht mehr so glänzt wie früher. All diese Gebrauchsspuren. Also ja, für mich ist es auf jeden Fall das Material. Ich mag auch alte Dinge, Antiquitäten, die Verzierungen und Details von Gegenständen, die früher hergestellt wurden. Das inspiriert mich. Wenn ich etwas sehe, sind es das Material, die Textur und die Details, die mein Interesse wecken.

Natalia: Für mich ist es auch die Idee dahinter. Als wir an einer Kollektion gearbeitet haben, die von den 1960er-Jahren inspiriert war, habe ich mir ständig Dinge angesehen und gedacht: „Wow, das sieht aus wie eine Handtasche von einer Oma aus den Sechzigern.“ Oder: „Diese Schuhe sehen total nach Sechzigern aus.“ Ich habe die Dinge, die wir gefunden haben, immer mit dem Konzept verbunden, an dem wir gerade gearbeitet haben. Gerade arbeiten wir an einer neuen Kollektion, zu der auch Oberbekleidung gehören wird, und planen eine Zusammenarbeit mit einem Secondhandladen. Wenn wir uns jetzt Dinge anschauen, die wir upcyceln könnten, überlegen wir schon, wie sie zu diesem neuen Konzept passen würden. Das Material ist für mich natürlich interessant. Aber die Vorstellung davon, was daraus werden könnte und wie es in die Welt passt, die wir gerade erschaffen, ist für mich genauso wichtig.

Eure Ästhetik ist roh, brutalistisch, teilweise fast dystopisch. Muss Mode heute überhaupt noch „schön“ sein? 

Cristian: Die Vorstellung davon, was schön ist, hat sich verändert. Wir sind kurz vor 2027. Wir können nicht mehr so über Schönheit sprechen, als wäre die Definition noch dieselbe wie früher. Auch etwas Abgenutztes, etwas Handgemachtes oder etwas Einzigartiges kann schön sein. Gerade handgemachte Dinge werden immer seltener, und das macht sie besonders.

Natalia: Ehrlich gesagt verstehe ich gar nicht so richtig, von welchem Schönheitsbegriff die Frage ausgeht. Für mich können rohe, brutalistische und dystopische Dinge unglaublich schön sein. Ich habe überhaupt nicht das Gefühl, dass wir etwas Hässliches machen oder versuchen, so eine Art „hässliche Schönheit“ zu erschaffen. Es ist wie bei einem brutalistischen Gebäude. Manche Leute sehen solche Gebäude und sagen, dass sie hässlich sind. Aber wir beide lieben es, sie anzuschauen, zu fotografieren und uns von ihnen inspirieren zu lassen. Skulpturen des sozialistischen Realismus, die manche vielleicht auch hässlich finden, gehörten schon in meiner Kindheit zu meinen größten visuellen Einflüssen. Diese massiven Formen, eine gewisse androgyne Ästhetik, diese Rauheit. Ich finde all das schön. Was ist denn überhaupt Schönheit? Ich würde nicht sagen, dass wir absichtlich etwas Provokantes oder Perverses schaffen wollen, nur damit es hässlich wirkt. Ich finde unsere Models feminin, atemberaubend und verdammt heiß. Rauheit, Strenge, inneres Feuer, Energie und der Mut, exzentrisch, authentisch und wild zu sein: Das alles widerspricht für mich überhaupt nicht der Schönheit. Ein brutalistisches Denkmal kann für mich unglaublich inspirierend und schön sein, sogar viel inspirierender als Y2K-Ästhetik, Mainstream-Popkultur oder klassische Schönheitsideale. Und denkt doch mal an die Frauen der 1960er-Jahre: Viele von ihnen sahen ziemlich extravagant aus und haben sich auch so gekleidet. Und sie waren gleichzeitig unglaublich schön. Ich würde also ganz klar sagen, dass das, was wir machen, schön ist. Zumindest ist das meine Vorstellung von Schönheit.

Upcycling ist inzwischen auch ein beliebtes Marketingversprechen der Modeindustrie. Was unterscheidet für euch eine wirklich neue Designhaltung davon, alten Dingen einfach nur einen neuen Look zu verpassen?

Natalia: Upcycling ist definitiv zu einem Marketingversprechen geworden. Manche Marken bezeichnen sich als Upcycling-Brand, aber von dreißig Looks in einer Kollektion enthalten vielleicht fünf einen alten Rock, eine umgearbeitete Jeans oder etwas Ähnliches. Und schon ist das die Nachhaltigkeitsgeschichte der ganzen Kollektion. Für uns ist Upcycling die Grundidee. Deshalb arbeiten wir gewissermaßen andersherum. Wenn das Konzept steht und die Arbeit an der Kollektion läuft, gehen wir los und suchen nach aussortierten Materialien. Gleichzeitig versuche ich, Kooperationen mit Unternehmen aufzubauen, die uns Materialreste, Lederabschnitte oder andere Dinge geben können, die sie selbst nicht mehr verwenden. Wir sammeln Dinge auf der Straße. Und wir leben selbst auch so. Viele Kleidungsstücke, die wir im Alltag tragen, kommen aus Secondhandläden oder sind sogar Fundstücke von der Straße. Ich finde es richtig lustig, durch Berlin zu laufen, in die „Zu verschenken“-Kisten zu schauen, Cristian Fotos von interessanten Fundstücken zu schicken und dann mit ihm zu überlegen, was wir daraus machen könnten. Dieser ganze Prozess ist unglaublich kreativ. Für uns ist „Upcycling“ also weder Greenwashing noch ein Marketingtrick. Wir machen nicht einfach aus einer normalen Jeans eine normale Shorts oder geben einem alten Teil nur einen etwas anderen Look. Unser Ansatz ist ziemlich radikal – deshalb nennen wir ihn auch Radical Upcycling. Das Ganze hat auch etwas Spielerisches, fast wie ein Spiel.

Cristian: Bei mir hat das alles lange angefangen, bevor ich überhaupt wusste, dass es ein Wort dafür gibt. Schon als Kind habe ich Möbel gebaut, an Motorrädern gebastelt und Dinge von der Straße mitgenommen, um etwas daraus zu machen. Ich wusste damals nichts über Upcycling als Konzept. Ich habe es einfach gemacht, weil es für mich ganz natürlich war. Heute ist mir natürlich bewusst, was wir da machen. Aber ich finde es interessant, dass ich damit angefangen habe, ohne überhaupt zu wissen, wie man es nennt – einfach, weil es zu mir gehört hat. Wir hatten auch nicht das Geld, um alles neu zu kaufen. Mein Vater hat unser Familienhaus tatsächlich mit seinen eigenen Händen gebaut. Man hat etwas gefunden und daraus zum Beispiel ein Fenster gemacht. Wenn man damit aufwächst, ist es fast unmöglich, in Dingen, die auf der Straße liegen, kein Potenzial zu sehen. Am Anfang ging es um die Notwendigkeit, nicht um ein Umweltkonzept. Ich erinnere mich an etwas, das mein Vater zu mir gesagt hat, als ich jung war und Industriedesign studiert habe. Damals habe ich nebenbei Pizza ausgeliefert. Er sagte ungefähr: „Du hast kein Geld, um Materialien zu kaufen, also musst du schlau sein. Auf der Straße liegen überall Sachen herum. Schau dir zum Beispiel Räder an, es gibt Tausende davon. Überleg dir etwas Kreatives, das du daraus machen kannst. Sie kosten nichts.“ Es geht um diese Denkweise: Man muss seinen Blick auf die Dinge verändern. Und genau das machen wir heute. Die Straße ist voller Materialien. Man muss nur kreativ genug sein, um zu erkennen, was daraus entstehen könnte. Es gibt keine Ausrede, nicht kreativ zu sein. Oft hatten wir kein Geld für Materialien und haben trotzdem aus Dingen, die wir auf der Straße gefunden haben, Stücke gemacht, die heute vermietet und von Prominenten getragen werden. Vielleicht konnten wir uns kein Deadstock-Leder leisten, aber wir haben trotzdem etwas Außergewöhnliches geschaffen.

Natalia: Und inzwischen bauen wir neue Kooperationen mit Secondhandläden und anderen Unternehmen auf, um solche Materialien zu bekommen. Im Grunde ist es immer noch dieselbe Idee, nur auf einer anderen Ebene.

Hamburg ist eine Hafen- und Handelsstadt, in der Waren seit Jahrhunderten ankommen, umgeschlagen und weitertransportiert werden. Würdet ihr sagen, dass wir als Gesellschaft verlernt haben, den Wert der Dinge zu erkennen, sobald sie ihren ursprünglichen Zweck verloren haben?

Natalia: Ich sehe da tatsächlich auch viele positive Entwicklungen. Fast alle meine Freundinnen nutzen aktiv Vinted oder Kleinanzeigen. Ich kann mich noch an eine Zeit erinnern, in der das überhaupt nicht selbstverständlich war. Als ich klein war, vielleicht vier Jahre alt, war meine Familie sehr arm. Meine Mutter ging mit mir in Secondhandläden einkaufen, und ich erinnere mich, dass sie zu mir gesagt hat: „Natalia, erzähl bloß niemandem, dass wir hier einkaufen. Sonst denken alle, wir sind arm und haben kein Geld.“ Es war damals irgendwie peinlich, Secondhandkleidung zu kaufen. Heute habe ich das Gefühl, dass wir uns des Wertes von Dingen stärker bewusst sind. Ich denke dabei an Vivienne Westwoods Botschaft: weniger kaufen, bewusst auswählen und die Dinge lange tragen. Gleichzeitig ist mir klar, dass mein Eindruck wahrscheinlich auch damit zu tun hat, dass wir in Berlin leben und von unserer eigenen kreativen Bubble umgeben sind. Die meisten meiner Freunde sind alte Seelen, die Vintage, besondere Gegenstände und Kleidung mit Geschichte lieben. Deshalb fällt es mir schwer, für eine ganze Gesellschaft zu sprechen. Ich höre immer öfter, dass Leute keine Lust mehr haben, bei riesigen Fast-Fashion-Unternehmen einzukaufen. Auf der anderen Seite boomt Fast Fashion noch immer. Für viele Menschen ist ein Mantel, sobald er nicht mehr modern ist, oder ein Rock, wenn er kaputtgeht, einfach Müll. In meinem eigenen Umfeld aber merke ich ganz deutlich, dass hochwertige Vintage-Stücke, bewussterer Konsum und Upcycling heute viel mehr geschätzt werden als früher.

Cristian: Ich glaube, handgemachte Dinge werden zum neuen Luxus. Sie sind immer schwerer zu finden. Wenn etwas von Hand gemacht, neu gedacht oder mit einem starken Konzept entwickelt wurde, erkennen die Menschen zunehmend seinen Wert. Dazu kommt die Geschichte: Woher kommt etwas? Was war es früher? Und was wird jetzt daraus? Storytelling ist meiner Meinung nach heute unglaublich wichtig. Damit können sich Menschen viel stärker verbinden als mit einer Jacke, die zweitausendmal auf genau dieselbe Weise produziert wurde. Der Wert steckt in der Handarbeit, im Design, in der Idee dahinter und in der Arbeit, die darin steckt. Etwas, das endlos wiederholt wird und überall zu haben ist, hat nicht dieselbe Anziehungskraft wie etwas, das wirklich schwer zu finden ist. Deshalb glaube ich, dass sich unsere Vorstellung von Wert gerade zum Positiven verändert.

Mit „AEROSPATIAL“ bespielt ihr das FABRIC nicht einfach als Verkaufsfläche, sondern als räumliche Installation. Braucht die Mode der Zukunft überhaupt noch klassische Fashion Shows, oder müssen wir ihre Präsentation ganz neu denken?

Cristian: Es gibt viele Möglichkeiten, eine Kollektion zu präsentieren, und eine Runway-Show ist eine davon. Eine professionell inszenierte Fashion Show kann eine großartige Möglichkeit sein, das ganze Konzept einer Kollektion auszudrücken. Man arbeitet mit dem Soundtrack, dem Licht, der Location – mit allem – und versucht, eine ganze Welt zu erschaffen. Es heißt ja nicht umsonst Fashion Show. Es soll wirklich eine Show sein, ein Erlebnis für das Publikum. Daran müssen wir weiterarbeiten: den Menschen das Gefühl zu geben, dass sie etwas Besonderes erlebt haben.

Natalia: Ja und nein. Die Mode der Zukunft braucht auf jeden Fall weiterhin Runway-Shows. Es ist wichtig, diese Welt zu erschaffen, in der die Menschen eine Kollektion verstehen können: Sie hören die Musik, sehen das Licht und erleben die Atmosphäre. Wenn alles zusammenkommt, kann das unglaublich stark sein. Aber ich finde, dass es verschiedene Möglichkeiten geben sollte, Mode zu erleben. Als Kunst- und Modemarke zeigen wir unsere Arbeit auch in räumlichen Installationen und nehmen an Kunstmessen teil. Es ist wichtig, den Menschen die Welt einer Kollektion zu zeigen, aber genauso wichtig ist es, mit echten Kundinnen und Kunden zu sprechen und Zeit mit ihnen zu verbringen. Es sollte etwas zwischen einem Pop-up, bei dem es hauptsächlich ums Verkaufen geht, und einer Runway-Show geben, bei der man die Menschen vor allem in die eigene Welt hineinzieht.

Schon der Name FREIKOERPER klingt nach einem Statement. Wovon muss sich der Körper deiner Meinung nach eigentlich befreien?

Jede Person hat da ein Päckchen, das sie mit sich herumträgt. Mein Ziel ist es, dass jemand, der mit meinen Arbeiten interagiert, einfach ein wenig die Schultern runterlassen kann. Auch wer das hier liest: Einmal tief durchatmen kurz.

Du beschäftigst dich mit Patina, Materialien und dem Verhältnis zwischen Körper und Textil. Wann wird ein Kleidungsstück für dich wirklich interessant: wenn es fertig ist oder erst, wenn jemand darin gelebt hat?

Mode ist am Ende auch nur ein Medium. Zwar mein bevorzugtes, für das ich eine gewisse Begabung habe, aber ich kann den Kern meiner Arbeit genauso in einem Raum wiederfinden, den ich gestalte. Wenn ich singen könnte, würde ich ihn vermutlich vertonen.

Hamburg hat eine bemerkenswerte Modegeschichte und bildet bis heute kreative Talente aus. Trotzdem zieht es viele junge Designer:innen nach Berlin oder ins Ausland. Was fehlt dieser Stadt, damit aus einzelnen Talenten endlich eine sichtbare Modeszene wird?

Ganz einfach Wagemut. Trotz mehrerer Millionen Einwohner ist Hamburg sowas wie die größte Provinz Deutschlands. Was sich anderswo noch nicht bewiesen hat, findet hier erst Recht kaum Beachtung. Besonders zum Anfang einer kreativen Karriere untergräbt das enorm das Selbstvertrauen.

Das FABRIC versucht, Designer:innen, Handwerk und Öffentlichkeit zusammenzubringen. Was bringt dir dieser Austausch konkret? Und was müsste daraus entstehen, damit es nicht bei einer schönen Initiative bleibt?

Im FABRIC finde ich vor allem eine Zugehörigkeit. Menschen, die man sonst aus der Perspektive eines einzelnen Ateliers eher als Konkurrenz wahrnimmt, werden hier zu Kolleg:innen und Freund:innen. Jetzt müssen als Nächstes die Möglichmacher und Chancengeber ran: Das kreative Potenzial stellen wir. Investiert in uns und diesen Standort! Dieses Projekt ist das Coolste, was einer sich sonst selbst abbauenden Branche passieren kann.

Während der Future Fashion Week zeigst du deine Arbeit am Neuen Wall, also dort, wo sonst vor allem etablierte Luxusmarken das Bild bestimmen. Ist das für dich eine bewusste Gegenposition? Und was kann unabhängige Mode heute, was große Modehäuser vielleicht längst verlernt haben?

⁠Ich wollte bewusst vor allem mit „The Wasted Hour“ zusammenarbeiten. Das ist Retail von morgen: Lokal geführt, nachhaltig selektiert und auf Augenhöhe. Seien wir ehrlich: Was verkauft einem eine große Brand am Ende? Häufig überteuerte Prestigeartikel. Unabhängige Labels und Studios bieten Flexibilität, Individualität, die Erfahrung, genau zu wissen wer deine Produkte wie und wo gemacht hat und die Option auf Teilhabe am Designprozess.

Schmuck war historisch immer auch ein Mittel, um Geschlecht, Status und Zugehörigkeit sichtbar zu machen. Ihr löst euch bewusst von diesen Kategorien. Wie politisch kann Schmuck sein?

Wir wollen mit unseren Pieces Grenzen aufbrechen: Schmuck war, so wie Kleidung, lange in Kategorien wie männlich und weiblich gedacht und gleichzeitig stark mit Status und Exklusivität verbunden. Wir denken jenseits dieser Limits. Unser Schmuck ist genderless und soll sich nicht an bestimmten Körperformen, Geschlechtern oder Größen orientieren. Uns interessiert vielmehr ein individueller Zugang: Jewelry for every format! Auch Accessibility ist für uns ein wichtiger Aspekt. Wir haben selbst lange nach großen, ausdrucksstarken Silber-Pieces gesucht, die wir uns entweder nicht leisten konnten oder die wir in der Form, die wir uns vorgestellt haben, einfach nicht finden konnten. Irgendwann haben wir angefangen, sie selbst zu machen. Daraus ist auch der Wunsch entstanden, Schmuck herzustellen, der zugänglicher ist, ohne dabei Abstriche bei der Qualität machen zu müssen. Genau das wollen wir jetzt weitergeben.

Queere Menschen haben Mode und Schmuck schon immer genutzt, um sich zu erkennen, abzugrenzen oder überhaupt erst sichtbar zu werden. Welche Bedeutung hat Schmuck für euch persönlich?

Schmuck konnte schon immer mehr sein als etwas, das man einfach trägt. Gerade in queeren Communities waren bestimmte Accessoires und Symbole historisch oft eine subtile Möglichkeit, sich gegenseitig zu erkennen, Zugehörigkeit zu zeigen oder sich bewusst von gesellschaftlichen Normen abzugrenzen. Wir finden spannend, dass etwas so Kleines so viel ausdrücken kann. Auch für uns ist Schmuck mittlerweile ein fester Bestandteil davon, wie wir uns fühlen und nach außen zeigen. Bestimmte Pieces geben uns ein Gefühl von Safety und sind irgendwann einfach Teil von uns geworden. Manche begleiten uns schon so lange, dass sie sich fast wie ein Teil des eigenen Körpers anfühlen, ähnlich wie Tattoos. Andere verbinden wir mit bestimmten Menschen, Erinnerungen oder Situationen (die meisten mit meiner Partnerin!). Schmuck ist für uns sozusagen eine Erweiterung der eigenen Identität. Er muss nichts vervollständigen oder ein Outfit abrunden, ist keine Deko, sondern steht selbst  im Mittelpunkt.

Eure Pieces entstehen von Hand und wirken fast wie kleine Skulpturen. In einer Zeit, in der sich Ästhetiken über Social Media innerhalb weniger Wochen angleichen: Wie entwickelt man eigentlich eine eigene Formensprache, ohne ständig auf Trends zu reagieren?

Unsere Formensprache ist ziemlich intuitiv entstanden. Wir haben einfach angefangen, Dinge auszuprobieren, und sind unserem Gefühl und dem Material gefolgt, ohne immer ein konkretes Ergebnis vor Augen zu haben. Manchmal entsteht eine interessante Form gerade durch einen Fehler oder einen Zufall. Wir lassen bewusst Raum dafür, weil oft genau dann Dinge passieren, die man gar nicht hätte planen können. Vieles entwickelt sich erst im Prozess. Mit der Zeit entwickelt sich so ganz automatisch eine eigene visuelle Sprache, der wir bis dato treu geblieben sind. Inspiration finden wir tatsächlich eher außerhalb von Social Media: auf Reisen, beim Wandern (oder Trekking, wie ich unter Höhenangst gelernt habe), in der Natur oder in ganz alltäglichen Situationen. Oft sind es die kleinen Dinge, die uns umgeben und die wir bewusst wahrnehmen. Wir versuchen, uns diesen Blick zu bewahren und nicht danach zu schauen, was gerade trendet oder visuell funktioniert. Für uns geht es darum, neugierig zu bleiben und Dinge zu schaffen, die sich wirklich nach uns anfühlen, statt auf eine bestimmte Ästhetik hinzuarbeiten.

Berlin hat über Jahrzehnte eine queere Kreativszene hervorgebracht, die weit über die Stadt hinaus wirkt. Hamburg gilt ebenfalls als weltoffen, aber die unabhängige Modeszene ist weniger sichtbar. Entsteht kreative Community aus der Offenheit einer Stadt oder braucht es dafür vor allem Räume, in denen Menschen tatsächlich zusammenkommen?

Community entsteht oft aus einer gewissen Notwendigkeit heraus. Sie entsteht nicht einfach dadurch, dass eine Stadt als offen gilt. Vielmehr sind es diese Gruppierungen selbst, die eine Stadt offener machen können, indem sie Räume schaffen, sich gegenseitig unterstützen und gemeinsam sichtbar werden. Dafür braucht es Orte, an denen Perspektiven geteilt werden, Begegnungen neue Impulse auslösen und gemeinsame Projekte entstehen. Eine offene Atmosphäre kann eine gute Grundlage sein, aber letztendlich sind es die Menschen, die eine Szene aufbauen, gestalten und lebendig halten. Dabei geht es nicht nur um Sichtbarkeit oder eine Plattform, sondern auch um wirkliche Safe Spaces, in denen man sich frei entfalten kann und Dinge in Kraft gesetzt werden können.

Im Rahmen der Future Fashion Week können Besucher:innen ihre eigenen Schmuckstücke mitgestalten. Was verändert sich, wenn Menschen nicht mehr nur Konsument:innen sind, sondern selbst Teil des kreativen Prozesses werden?

Wir haben gemerkt: Die Beziehung zu einem Schmuckstück verändert sich, wenn man selbst Teil des kreativen Prozesses werden kann. Es wird viel persönlicher und individueller, weil man die Möglichkeit hat, etwas von sich selbst einzubringen. Das Piece bekommt dadurch einen ganz anderen Wert. Es erzählt eine eigene Story, wird zu einer gemeinsamen Erinnerung, führt zu Austausch … Für uns ist es immer eine tolle Experience, mit Menschen ins Gespräch zu kommen, etwas über sie zu erfahren und zu sehen, wie sie unsere Ästhetik und Formensprache auf ihre ganz eigene Weise interpretieren und unsere visuelle Identität um ihre Perspektive erweitern. So entsteht etwas, das unsere Handschrift trägt und gleichzeitig ganz persönlich ihres ist. Und vielleicht ist da auch ein kleines Gefühl von Stolz, wenn man das fertige Piece später trägt.